Nuestras Exposiciones Viajan

20.MAR.2025 – 08.JUN.2025

Antiguo Instituto Jovellanos (Gijón, Asturias)

Poesía. Fotografía callejera. Humanismo lírico.

Louis Stettner (Nueva York, 1922-París, 2016) se formó en la escuela neoyorquina de la Photo League, donde aprendió con Sid Grossman y coincidió con Weegee, quien llegaría a ser un gran amigo suyo. En París conoció a Brassaï, que se convirtió en su mentor. Sin embargo, a pesar de estar plenamente inmerso en el debate de la fotografía histórica durante buena parte del siglo pasado, su obra no fue reconocida como merecía en su momento, quizá por no estar adscrita a un estilo determinado.

A caballo entre Nueva York y París, Stettner, permaneció enraizado en dos mundos en una época en la que la mayoría de los fotógrafos se relacionaban solo con uno de ellos. En este sentido, su trabajo contiene elementos tanto de la estética de la fotografía callejera neoyorquina, con sus bulliciosas escenas del metro, como del humanismo lírico de tradición francesa, con los paisajes montañosos de los Alpilles, en Francia.

11.MAR.2025 – 02.MAY.2025

Fundación MAPFRE Canarias (La Laguna, Tenerife)

Modernidad. Intuición. Originalidad.

Pieza fundamental en la forja de la modernidad fotográfica y la profesionalización del medio en España, Carlos Pérez Siquier (1930-2021), destacó en el panorama español, primero desde postulados próximos al neorrealismo, y más adelante como pionero de la fotografía en color.

Si algo caracteriza y hace tan valiosa e interesante la fotografía de Carlos Pérez Siquier, esto es, por un lado, el asunto que la recorre de principio a fin –el mundo real y próximo al autor–, y, por otro, la mirada atenta y singular con la que el fotógrafo lo vertió en imágenes. Todo ello conforma una de las obras más potentes e importantes de la fotografía española en las últimas décadas, que le hizo merecedor del Premio Nacional de Fotografía en 2003.

26.FEB.2025 – 29.JUN.2025

Museu de Artes Contemporânea – MAC (Lisboa, Portugal)

Talento. Oposición. Feminismo.

En 1943, la coleccionista Peggy Guggenheim organizó en su galería neoyorquina Art of This Century una de las primeras exposiciones dedicadas exclusivamente a la obra de mujeres artistas. Titulada Exhibition by 31 Women (Exposición de 31 mujeres), uno de sus objetivos era destacar la contribución de las mujeres artistas, que, a menudo, habían sido relegadas al papel de musas, imitadoras o compañeras de artistas masculinos famosos por la mentalidad patriarcal de la época.

Las artistas seleccionadas para 31 Mujeres -entre las que había creadoras consagradas y talentos emergentes- procedían de Europa y Estados Unidos, y muchas de ellas estaban vinculadas al surrealismo y al arte abstracto. Conscientes de los retos a los que se enfrentaban por ser mujeres, estas artistas a menudo iban a contracorriente utilizando los lenguajes artísticos dominantes de su época: reinterpretaron las aportaciones del surrealismo y el expresionismo abstracto para poner de manifiesto los preceptos patriarcales en los que se basaban tales movimientos.

21.FEB.2025 – 22.JUN.2025

Yale University Art Gallery (New Haven, CT, USA)

Aparente tranquilidad. Privilegio. Apartheid.

El prestigioso fotógrafo sudafricano David Goldblatt (Randfontein, 1930 – Johannesburgo, 2018) dedicó su vida a documentar su país y sus gentes. Conocido por sus sutiles retratos de la vida bajo el apartheid, su obra, de una amplia diversidad temática, resulta hoy imprescindible para entender lo que, sin duda, representa uno de los procesos y periodos más dolorosos de la historia contemporánea.

Las claves de la exposición giran en torno a tres temas: la representación de la vida cotidiana, «lo tranquilo y lo corriente donde no “pasaba” nada», para que a que el espectador pudiese sacar sus propias conclusiones; la mayor libertad para documentar la vida en Sudáfrica de la forma más honesta y directa posible por el hecho de ser blanco; y la necesidad de documentar el apartheid.

21.FEB.2025 – 15.JUN.2025

Museo de Bellas Artes de Castellón (Castellón)

Tradición. Vanguardia. Cubismo atemperado.

Daniel Vázquez Díaz (Aldea de Ríotinto (actual Nerva), Huelva, 1882 -Madrid, 1969) asistió a clases en el Ateneo de Sevilla. Tras su paso por Madrid en 1906 marcha a París, donde reside cerca de doce años. En la capital francesa se relaciona con los artistas españoles allí afincados: Ignacio Zuloaga, Joaquim Sunyer, Hernén Anglada Camarasa, Juan de Echevarría, Pablo Picasso o Juan Gris, entre otros. En Francia realiza cuadros de inspiración española, del gusto de la sociedad del momento, también retratos que continúan la tradición del siglo de Oro y, mientras, aprende de las nuevas tendencias de vanguardia que empezará a desarrollar a partir de 1918, cuando vuelva a España.

Al instalarse en Madrid de forma definitiva, la obra de Vázquez Díaz es asumida por la crítica y por los intelectuales que le rodean como parte del arte nuevo, que, en su caso se ha dado en llamar como cubismo atemperado.

21.FEB.2025 – 20.ABR.2025

Casa Museo Zavala (Cuenca)

Desafío. Infancia. Autorretrato.

Fundación MAPFRE presenta la exposición retrospectiva del fotógrafo sueco Christer Strömholm (Estocolmo, 1918-2002), uno de los artistas más emblemáticos de la fotografía europea de posguerra, cuyo mayor reconocimiento le llegó de forma algo tardía, cuando le fue otorgado en 1997 el Premio Hasselblad.

El trabajo del fotógrafo, de carácter intuitivo, expresa un mundo de imágenes propio en el que vuelca todos sus sentidos y su experiencia y con el que desafía todo tipo de prejuicios y estereotipos. Strömholm encuentra mensajes valiosos en los objetos más humildes, a los que otorga un significado.

En 1958 Strömholm compró una casa destartalada en un remoto pueblo de la Provenza francesa, donde comenzó a coleccionar todo tipo de objetos rotos, desechados, que representaban para él una suerte de recuerdos de su propia vida e infancia. Strömholm siempre se identificó con los más pequeños; tal y como él mismo señaló, sus imágenes son autorretratos, representaciones de sí mismo a distintas edades.

06.DIC.2024 – 02.MAR.2025

Centro Andaluz de la Fotografía (Almería)

Compromiso social. Poesía. Confianza en el ser humano.

Louis Stettner (Nueva York, 1922-París, 2016) se formó en la escuela neoyorquina de la Photo League. En París conoció a Brassaï, que se convirtió en su mentor. Su experiencia como fotógrafo durante la Segunda Guerra Mundial condicionó intensamente su concepción de la vida que se refleja en su obra y que se basa en una firme confianza en el ser humano.

La obra de Stettner abarca multitud de temas, desde entornos urbanos casi vacíos hasta bulliciosas escenas del metro de Nueva York, la rutina de trabajadores y obreros o los paisajes montañosos del macizo francés de los Alpilles, ya en su última época.

La obra de Louis Stettner no fue reconocida como merecía en su momento. Esta exposición pretende paliar este desconocimiento y acercar al artista al gran público, así como celebrar el trabajo de un autor cuya fotografía capturó la poesía de la vida cotidiana.

05.DIC.2024 – 02.FEB.2025

Museo Gustavo de Maeztu (Estella, Navarra)

Singularidad. Excentricismo. Oscuridad.

Fundación MAPFRE cuenta con una importante colección de la obra grabada de José Gutiérrez Solana, compuesta por veintiséis de los veintiocho aguafuertes catalogados por Rafael Díaz-Casariego y de cuatro de las siete litografías que se conservan, ofreciendo una representativa visión del conjunto de la obra del artista –sin duda, una de las figuras más singulares del arte es­pañol del siglo xx–.

Tanto su biografía como su obra ponen de manifiesto una personalidad excéntrica, irreducible a cualquier encasillamiento en el marco del panorama artístico convencio­nal. Creador de una visión profundamente personal, en sus pinturas, aguafuertes y litografías, así como en sus textos, Solana parece acercarse a la literatura española de su época, aunque permanece ajeno a cualquier sentido crítico o regeneracionista. Por el contrario, nos muestra una realidad oscura en la que parece moverse con la mayor naturalidad.

16.NOV.2024 – 16.FEB.2025

Centro Cultural de Cascais (Cascais, Portugal)

Preocupación social. Sencillez. Intimidad.

Nicholas Nixon (Detroit, Míchigan, 1947) explora mundos singulares con una notable preocupación social, para descubrir aspectos inadvertidos de la realidad que pertenecen a la experiencia privada del artista, pero que por su cotidianidad podemos compartir, de ahí que despierten fácilmente en nosotros el eco de recuerdos y emociones. Nixon emplea una técnica sencilla, casi obsoleta, pero impecable, con el uso de cámaras de gran formato que imponen la cercanía y la cooperación de los retratados para mostrar los mundos próximos en los que fija su atención: los ancianos, los enfermos, la intimidad de las parejas o la familia.

Esta retrospectiva de su obra (1974-2024), cuenta con más de doscientas fotografías. En ella encontramos un hilo conductor claro, un mundo propio que no tiene límites y una extraordinaria capacidad para reinventarse.